Le 5 lezioni che possiamo imparare dalla fotografia analogica

In un mondo in cui la fotografia digitale è sempre presente, la fotografia su pellicola o fotografia analogica spesso passa in secondo piano. Ma questo mezzo analogico in realtà ha alcune lezioni cruciali da insegnare a tutti noi, se solo siamo disposti ad ascoltarle.

Posso uscire dalla porta in questo momento e scattare 3.000 foto, tutte con diverse esposizioni, colori e risoluzioni, ma in questo mondo di infinite possibilità, c’è qualcosa che mi manca: la direzione. Spesso, di fronte ad un numero infinito di opzioni, ci troviamo, come artisti, a lottare per creare. È qui che entra in gioco la fotografia su pellicola.

La pellicola ci fornisce una serie di limitazioni che, nonostante ci limitano in molti modi, possono effettivamente aiutare a prevenire i blocchi creativi e offre una serie di regole da seguire. Ciò rafforza la conoscenza tecnica del fotografo in molti aspetti, così come la sua capacità di consentire il (ri)fiorire della creatività artistica. Quindi, diamo un’occhiata al primo motivo per cui scattare foto usando la pellicola ti rende un fotografo migliore.

Frame limitati

Prendiamo probabilmente la forma più comune della pellicola: un rullino da 35 mm, come esempio del limite di esposizioni per sessione fotografica. Il rullino medio ci dà 36 fotogrammi con cui giocare. Questo limite, per quanto frustrante, è in realtà abbastanza utile per noi artisti. Costringe la nostra mano a massimizzare le opportunità fotografiche quando vengono incontrate, perché una volta che il rullino è pieno, devi cambiarlo e se non ne hai altri, il gioco è finito per la giornata.

36 esposizioni possono sembrare molte per alcuni, ma una volta che si tiene conto dell’uso di tecniche speciali come la sperimentazione di filtri sulla stessa scena e scatti con bracketing per assicurarsi che ci sia almeno una foto che risulti esposta correttamente, allora si esaurire lo spazio.

Tuttavia, anche se controintuitiva, questa limitazione sul numero di foto che puoi scattare è piuttosto vantaggiosa. Costringe il fotografo a elaborare la propria serie di regole interne e incoraggia la disciplina a seguirle. La messa a fuoco, le impostazioni della fotocamera e una profonda consapevolezza della profondità di campo e del motion blur saranno tutti profondamente radicati prima di scattare la foto successiva, perché il fotografo che utilizza la pellicola non vorrà sprecare fotogrammi inutilmente. È una tecnica utile che molti artisti usano per aiutarli quando subiscono un blocco creativo. In qualche modo, questa limitazione ci dà qualcosa con cui lavorare.

Insisti

Quante volte alla settimana lo fai? Inizi a scattare foto in interni a casa, poi ti avventuri in giardino per giocare e tu (o la tua fotocamera) cambiate la sensibilità ISO per combattere il cambiamento dei livelli di luce. Non solo, ma puoi cambiare il bilanciamento del bianco per contrastare la tonalità arancione che le tue lampadine all’interno emanano per far sembrare le cose leggermente più realistiche.

Beh, non è così semplice. Il rullino è preimpostato su uno specifico ISO e bilanciamento del bianco per ogni fotogramma. Quindi, se vuoi scattare all’interno, userai un rullino bilanciato al tungsteno, oppure all’esterno, dovrai scattare in una pellicola bilanciata per la luce del giorno. Quindi, scattare solo un paio di scatti all’interno e poi uscire in giardino diventa infinitamente più complicato a meno che non si utilizzino due corpi macchina.

Piuttosto che essere un ostacolo, questa restrizione può nuovamente aiutare il fotografo. Attenendoti a ciò che hai caricato nella fotocamera, sei costretto a seguire una traccia. Ciò ti permette un processo di pensiero più profondo, invece di passare da una cosa all’altra come un flipper.

Esprimi quello che vedi

Uno dei contrasti più netti tra la pellicola e la fotografia digitale è il lasso di tempo che intercorre tra lo scatto della foto e la revisione. Con il digitale è istantaneo, ma quando si passa all’analogico il tempo per visionare il risultato finale può essere di ore, giorni o addirittura settimane. A parte il chiaro svantaggio, questo in realtà crea una connessione più profonda tra te, la fotocamera e il soggetto.

C’è un piccolo margine di errore quando si tratta di impostazioni di esposizione, perché qualsiasi regolazione che fai durante il processo di scatto della foto viene impressa sulla pellicola e non può essere annullata. Questo è ciò che ti rende un fotografo migliore. Essere nel momento e riflettere sulle tue scelte creative prima di impegnarti, anche se solo per pochi istanti, si rifletterà anche nella tua fotografia digitale e ti darà un’idea più profonda di ciò che vuoi ottenere dallo scatto.

Studia la luce

L’utilizzo di un rullino ti costringe a prestare maggiore attenzione alla luce, che sia la qualità, la quantità e la direzione della luce nella scena o la quantità di luce che lasci passare sulla pellicola stessa. C’è meno spazio per gli errori rispetto al digitale, dove puoi tornare alle tue impostazioni e sperimentare quasi all’infinito.

Quando analizzi la luce in una scena, probabilmente utilizzerai di più l’esposimetro integrato nella fotocamera. Esattamente gli stessi principi si applicano anche quando si lavora in digitale. Tuttavia, potresti anche trovarti a utilizzare un esposimetro esterno per misurare non solo la luce incidente (la luce che colpisce il soggetto) ma anche la luce riflessa (la luce che rimbalza sul soggetto e verso la fotocamera). Ciò è particolarmente utile per la fotografia di ritratti, in cui i valori di esposizione si riferiscono direttamente al tono della pelle e ai vestiti.

Vedere il mondo

Sono sicuro che ci sono molte eccezioni a questo, ma da quello che ho visto, più vecchia è la fotocamera, più nitido è il mirino. Privo di griglie complesse, enormi punti di messa a fuoco automatica sparsi nel mirino da un angolo all’altro e persino livelli a bolla. In altre parole con un vecchio mirino riesco a vedere molto di più rispetto a quanto veda con un mirino moderno, nonostante nei mirini di oggi ci sono una pletora di informazioni senza fine. Con un vecchio mirino ottico, mi connetto di più con il mio soggetto, che si tratti di una persona o di una catena montuosa. Quando scatto preferisco avere un campo visivo più chiaro e più ampio, un luogo in cui non vengo violato da mirini elettronici limitati, che sono limitati dalla frequenza di aggiornamento e dalla gamma di colori.

Conclusione

In sostanza, quello che sto dicendo con questo articolo è che sebbene la fotografia su pellicola sia restrittiva, vincolante, permanente e del tutto spietata, è proprio per queste ragioni che ti renderà un fotografo migliore se ti impegnerai a praticarla. Perché quello che ti farà maturare su tutta la linea è la pratica. Prendersi il tempo per connettersi con il proprio soggetto, amare la sensazione di creare il proprio lavoro, collegare insieme scienza, tecnologia e arte è dove avviene veramente la magia. So che diventerai un fotografo migliore se userai la pellicola in questo modo, perché non c’è altra opzione che migliorare (a meno che tu non voglia spendere un sacco di soldi in rullini e costi di sviluppo 🙂 ).

Sei d’accordo?